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Timeline: The High Renaissance

르네상스 전성기에는 건축가 브라만테의 템피에토와 르네상스 전성기의 최고 3대 예술가

레오나르도 다 빈치, 미켈란젤로, 라파엘로가 있다. 레오나르도 다 빈치는 르네상스 인간이라 불리 우는 천재로 모든 사물의 근본인 물, 불, 공기, 땅에 관련된 분야의 전문가로서, 예술뿐만 아니라 해부학, 물리학, 의학 자연과학 등 다방면으로 창작활동을 보였다. 그의 작품으로는 <모나리자>와 <최후의 만찬>이 있다.


레오나르도 다 빈치Leonardo DA VINCI (b. 1452, Vinci, Republic of Florence [now in Italy]--d. May 2, 1519, Cloux, Fr.), Italian painter, draftsman, sculptor, architect, and engineer whose genius, perhaps more than that of any other figure, epitomized the
Renaissance humanist ideal. His Last Supper (1495-97) and Mona Lisa (1503-06) are among the most widely popular and influential paintings of the Renaissance. His notebooks reveal a spirit of scientific inquiry and a mechanical inventiveness that were centuries ahead of his time.

황금비율

르네상스의 천재.
르네상스적인 천재라고 일컫는 레오나르도 다 빈치.
이름부터 생김새까지 성격과 능력까지 완벽한 사람.
(현대사회에 점점 이런 인간들이 등장하고 있는 것 같아 불안타.)

그는 천재답게 다방면에서 능통했고,
그러다보니 길지 않은 생애에서
안타깝게도 많은 작품을 남기지는 못했으나,
중요한 소스를 현대 다양한 학문에 남기게 된다.


21세기는 컴퓨터가 최고의 자리이듯이 15~16세기 르네상스시대에는 단연 예술이 최고.         과학, 의학, 건축, 항공학 등에서도 활동하였으나, 그는 예술가이기를 원했다.

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Vitruvian Man
1492
Pen, ink, watercolour and metalpoint on paper, 343 x 245 mm
Gallerie dell'Accademia, Venice

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Drawing of a Flying Machine. c.1486. Pen and ink on paper. Bibliotheque de l'Institut de France, Paris, France



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 바르톨로메오 야고보 안드레아  유다  베드로 요한  예수  야고보 토마 필립보 마태오 유대 시몬
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The Last Supper

1498 (180 Kb); Fresco, 460 x 880 cm (15 x 29 ft); Convent of Santa Maria delle Grazie (Refectory), Milan       마태복음 26장 21~22절        요한복음 13장 23절~24절 
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제자 한 명이 그를 배반할 것이라고 말하자  제자들이 놀라며 그게 저입니까? 하고 묻는 장면을 묘사, 운동감을 일으키게 한 질문과 제자들의 반응으로 보여진 표정과 몸짓. 각 사도들의 성격과 심리상태를 보고 그가 누구인지까지도 알 수 있는 완벽한 묘사.
<성찬식에서 예수께서 빵을 들어 나누어 주시며 이것이 내 몸이다, 또 잔을 들어 그들에게  이것이 나의 피다>
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La Joconda
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Portrait of Mona Lisa (1479-1528), also known as La Gioconda, the wife of Francesco del Giocondo; 1503-06 (150 Kb); Oil on wood, 77 x 53 cm (30 x 20 7/8 in); Musee du Louvre, Paris

This figure of a woman, dressed in the Florentine fashion of her day and seated in a visionary, mountainous landscape, is a remarkable instance of Leonardo's sfumato technique of soft, heavily shaded modeling. The Mona Lisa's enigmatic expression, which seems both alluring and aloof, has given the portrait universal fame.

놀라울 정도로 살아있는 것처럼 보인다는 것  이 모나리자를 그토록 신비하게 만드는 요인이다.
동양산수화 같은 배경에 드러난 산과 물은 여성성을 상징하고, 
 생명 탄생의 물줄기를 암시하고 있다.
 

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Reams have been written about this small masterpiece by Leonardo, and the gentle woman who is its subject has been adapted in turn as an aesthetic, philosophical and advertising symbol, entering eventually into the irreverent parodies of the Dada and Surrealist artists. The history of the panel has been much discussed, although it remains in part uncertain. According to Vasari, the subject is a young Florentine woman, Monna (or Mona) Lisa, who in 1495 married the well-known figure, Francesco del Giocondo, and thus came to be known as ``La Gioconda''. The work should probably be dated during Leonardo's second Florentine period, that is between 1503 and 1505. Leonardo himself loved the portrait, so much so that he always carried it with him until eventually in France it was sold to François I, either by Leonardo or by Melzi.

From the beginning it was greatly admired and much copied, and it came to be considered the prototype of the Renaissance portrait. It became even more famous in 1911, when it was stolen from the Salon Carré in the Louvre, being rediscovered in a hotel in Florence two years later. It is difficult to discuss such a work briefly because of the complex stylistic motifs which are part of it. In the essay ``On the perfect beauty of a woman'', by the 16th-century writer Firenzuola, we learn that the slight opening of the lips at the corners of the mouth was considered in that period a sign of elegance. Thus Mona Lisa has that slight smile which enters into the gentle, delicate atmosphere pervading the whole painting. To achieve this effect, Leonardo uses the sfumato technique, a gradual dissolving of the forms themselves, continuous interaction between light and shade and an uncertain sense of the time of day.

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Virgin and Child with the Infant John the Baptist and St. Anne
National Gallery, London
sketch for the Madonna and Child with St. Anne and John the Baptist, often identified as the Burlington House Cartoon. Leonardo's later treatment of the same subject (without John the Baptist) is in the Louvre.
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The Virgin and Child with Saint Anne
1510 (200 Kb); Oil on wood, 168 x 130 cm (5 1/2 x 4 1/2 ft); Musee du Louvre, Paris
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The Virgin of the Rocks
1503-06 (140 Kb); Oil on wood, 189.5 x 120 cm (6 x 4 ft); National Gallery, London
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 Ginevra de' Benci
c. 1474 (150 Kb); Oil on wood, 38.2 x 36.7 cm (15 1/8 x 14 1/2 in); National Gallery of Art, Washington, DC
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Self-portrait in red chalk, circa 1512 to 1515.[1]
Birth name Leonardo di Ser Piero
Born April 15, 1452(1452-04-15)

Vinci, Florence, in present-day Italy

Died May 2, 1519 (aged 67)
Amboise, Indre-et-Loire, in present-day France
Nationality Italian
Field Many and diverse fields of arts and sciences
Movement High Renaissance
Famous works Mona Lisa, The Last Supper, Vitruvian Ma
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Leonardo da Vinci. The Annunciation. Detail. c. 1472-1475. Oil and tempera on wood. Uffizi Gallery, Florence, Italy.

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TAG 미술

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Timeline: Gothic Innovation in the North

벨기에와 네덜란드 지역을 플랑드르라 불렀다.
북유럽에서는 얀 반 에이크가 거울을 이용하여 사실성을 부각시키고 세세한 부분을 그리기 위해 유화를 발명하였다. <아르놀피니의 약혼>은 사진과 같은 가장 유명한 초상화이다. 

 
Eyck, Jan van
(b. before 1395, Maaseik, Bishopric of Li?e, Holy Roman Empire [now in Belgium]--d. before July 9, 1441, Bruges), Flemish painter who perfected the newly developed technique of oil painting. His naturalistic panel paintings, mostly portraits and religious subjects, made extensive use of disguised religious symbols. His masterpiece is the altarpiece in the cathedral at Ghent, the Adoration of the Lamb (1432). Hubert van Eyck is thought by some to have been Jan's brother.

Jan van Eyck, the most famous and innovative Flemish painter of the 15th century, is thought to have come from the village of Maaseyck in Limbourg.

No record of his birthdate survives, but it is believed to have been about 1390; his career, however, is well documented. He was employed (1422-24) at the court of John of Bavaria, count of Holland, at The Hague, and in 1425 he was made court painter and valet de chambre to Duke Philip the Good of Burgundy. He became a close member of the duke's court and undertook several secret missions for him, including a trip (1428-29) to Spain and Portugal in connection with negotiations that resulted in the marriage (1430) of Philip of Burgundy and Isabella of Portugal. Documents show that in 1432-33 van Eyck bought a house in Bruges. He signed and dated a number of paintings between 1432 and 1439, all of which are painted in oil and varnished. According to documents, he was buried on July 9, 1441.


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The Marriage of Giovanni Arnolfini and Giovanna Cenami; 1434 (130 Kb); Oil on wood, 81.8 x 59.7 cm (32 1/4 x 23 1/2 in); National Gallery, London
아르놀피니 부부의 초상 - 결혼 증명서?


This title has traditionally been given to this painting because it was thought to be a form of ``wedding certificate'' for Giovanni Arnolfini and Giovanna Cenami, who married in Bruges in 1434. He was an Italian merchant, she the daughter of an Italian merchant. Their grave, youthful faces both have a lovely responsability that is typical of van Eyck.

Van Eyck's art reached perhaps its greatest triumph in the painting of portraits. One of his most famous portraits is The betrothal of the Arnolfini, which represents an Italian merchant, Giovanni Arnolfini, who had come to the Netherlands on business, with his bride Jeanne de Chenany. In its own way it was as new and as revolutionary as Donatello's or Masaccio's work in Italy. A simple corner of the real world had suddenly been fixed on to a panel as if by magic. Here it all was - the carpet and the slippers, the rosary on the wall, the little brush beside the bed, and the fruit on the window-sill. It is as if we could pay a visit to the Arnolfini in their house. The picture probably represents a solemn moment in their lives - their betrothal. The young woman has just put her right hand into Arnolfini's left and he is about to put his own right hand into hers as a solemn token of their union. Probably the painter was asked to record this important moment as a witness, just as a notary might be asked to declare that he has been present at a similar solemn act. This would explain why the master has put his name in a prominent position on the picture with the Latin words 'Johannes de eyck fuit hic' (Jan van Eyck was here). In the mirror at the back of the room we see the whole scene reflected from behind, and there, so it seems, we also see the image of the painter and witness. We do not know whether it was the Italian merchant or the northern artist who conceived the idea of making this use of the new kind of painting, which may be compared to the legal use of a photograph, properly endorsed by a witness. But whoever it was that originated this idea, he had certainly been quick to understand the tremendous possibilities which lay in Van Eyck's new way of painting. For the first time in history the artist became the perfect eye-witness in the truest sense of the term.
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Symbolic candle
The solitary flame burning in bright daylight can be interpreted as the bridall candle, or God's all-seeing eye, or simply as a devotional candle. Another symbol is St Margaret (the patron saint of women in childbirth), whose image is carved on the high chairback.
샹들리에의 촛불은 만물을 꿰뚫어보는 그리스도를, 강아지는 부부사이의 정절, 벗어놓은 신발은 성스러운 서약의 장소이기 때문.
An elaborate signature
As today, marriages in 15th-century Flanders could take place privately rather than in church. Van Eyck's Latin signature, in the Gothic calligraphy used for legal documents, reads: ``Jan van Eyck was present'', and has been interpreted by some as an indication that the artist himself served as a witness.


The mirror is painted with almost miraculous skill. Its carved frame is inset with ten miniature medallions depicting scenes from the life of Christ. Yet more remarkable is the mirror's reflection, which includes van Eyck's own tiny self-portrait, accompanied by another man who may have been the official witness to the ceremony.
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Convex mirror The Arnolfini Marriage
1434; detail: the ornate mirror on the back wall


Symbol of faithfulness
Almost every detail can be interpreted as a symbol. The companion dog is seen as a symbol of faithfulness and love. The fruits on the window ledge probably stand for fertility and our fall from Paradise. Even the discarded shoes are not thought to be incidental, but to signify the sanctity of marriage.
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The Ghent altarpiece
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outer wings)
detail, Adam from left wing, Eve from right; 1432 (50 Kb); Panel painting; Cathedral of St. Bavo, Ghent
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The Ghent Altarpiece
detail of lower central panel; 1432 (70 Kb); Panel painting; Cathedral of Bavon, Ghent


Posted by @artnstory Art&Story

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Timeline: The Early Renaissance

르네상스는 "부활"을 의미하며 르네상스 미술의 주제는 고대그리스로마신화, 종교화, 그리고 초상화와 작가의 개성이 담겨있는 상상력을 바탕으로 한 다양한 주제들이 보여진다,


Among the Florentine artists of the second half of the fifteenth century who strove for a solution to this question was the painter Sandro Botticelli (1446-1510). One of his most famous pictures represents not a Christian legend but a classical myth - the birth of Venus.


Original name ALESSANDRO DI MARIANO FILIPEPI (b. 1445, Florence [Italy]--d. May 17, 1510, Florence), Florentine early Renaissance painter whose Birth of Venus (c. 1485) and Primavera (1477-78) are often said to epitomize for modern viewers the spirit of the Renaissance. His ecclesiastical commissions included work for all the major churches of Florence and for the Sistine Chapel in Rome. His name is derived from his elder brother Giovanni, a pawnbroker, who was called Il Botticello ("The Little Barrel").

Although he was one of the most individual painters of the Italian Renaissance, Sandro Botticelli remained little known for centuries after his death. Then his work was rediscovered late in the 19th century by a group of artists in England known as the Pre-Raphaelites.

Born Alessandro di Mariano Filipepi in Florence in 1445, Botticelli was apprenticed to a goldsmith. Later he was a pupil of the painter Fra Filippo Lippi. He spent all his life in Florence except for a visit to Rome in 1481-82. There he painted wall frescoes in the Sistine Chapel of the Vatican.

In Florence, Botticelli was a protege of several members of the powerful Medici family. He painted portraits of the family and many religious pictures, including the famous The Adoration of the Magi. The most original of his paintings are those illustrating Greek and Roman legends. The best known are the two large panels Primavera and The Birth of Venus.


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비너스의 탄생
The Birth of Venus
c. 1485-86; painted for the villa of Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici at Castello; Tempera on canvas, 172.5 x 278.5 cm; now in the Galleria degli Uffizi in Florence


메디치 가문의 로렌초 디  피에르 프란체스코가 자신의 결혼을 기념하여 주문 제작.
왼편은 독수리 날개를 한 바람(서풍)의 신 제피로스와 꽃의 요정 클로리스 오른편은 과실나무의 요정 포포나. 조개껍질에 탄 사랑과 아름다움의 신 비너스= 아프로디테는 바람에 실려 성스러운 키프로스 섬( 비너스의 탄생지로 전해지는 지중해 동부 파포스의 해변) 에 도착. 비너스의 탄생을  축복하는 꽃잎이 흩날리고 있는 모습. 비너스의 실제 모델은  피렌체의 가장 아름다운 여인 "시모네다 베스 풋"


The classical poets had been known all through the Middle Ages, but only at the time of the Renaissance, when the Italians tried so passionately to recapture the former glory of Rome, did the classical myths become popular among educated laymen. To these men, the mythology of the admired Greeks and Romans represented something more than gay and pretty fairy-tales. They were so convinced of the superior wisdom of the ancients that they believed these classical legends must contain some profound and mysterious truth. The patron who commissioned the Botticelli painting for his country villa was a member of the rich and powerful family of the Medici. Either he himself, or one of his learned friends, probably explained to the painter what was known of the way the ancients had represented Venus rising from the sea. To these scholars the story of her birth was the symbol of mystery through which the divine message of beauty came into the world. One can imagine that the painter set to work reverently to represent this myth in a worthy manner. The action of the picture is quickly understood. Venus has emerged from the sea on a shell which is driven to the shore by flying wind-gods amidst a shower of roses. As she is about to step on to the land, one of the Hours or Nymphs receives her with a purple cloak. Botticelli has succeeded where Pollaiuolo failed. His picture forms, in fact, a perfectly harmonious pattern. But Pollaiuolo might have said that Botticelli had done so by sacrificing some of the achievements he had tried so hard to preserve. Botticelli's figures look less solid. They are not so correctly drawn as Pollaiuolo or Masaccio's. The graceful movements and melodious lines of his composition recall the Gothic tradition of Ghiberti and Fra Angelico, perhaps even the art of the fourteenth century - works such as Simone Martini's Annunciation.

Botticelli's Venus is so beautiful that we do not notice the unnatural length of her neck, the steep fall of her shoulders and the queer way her left arm is hinged to the body. Or, rather, we should say that these liberties which Botticelli took with nature in order to achieve a graceful outline add to the beauty and harmony of the design because they enhance the impression of an infinitely tender and delicate being, wafted to our shores as a gift from Heaven.

This secular work was painted onto canvas, which was a less expensive painting surface than the wooden panels used in church and court pictures. A wooden surface would certainly be impractical for a work on such a scale. Canvas is known to have been the preferred material for the painting of non-religious and pagan subjects that were sometimes commissioned to decorate country villas in 15th-century Italy.



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The masterworks Primavera (c. 1478) and The Birth of Venus (c. 1485) were both seen by Vasari at the villa of Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici at Castello in the mid-16th century, and until recently it was assumed that both works were painted specifically for the villa. Recent scholarship suggests otherwise: the Primavera was painted for Lorenzo's townhouse in Florence, and The Birth of Venus was commissioned by someone else for a different site. By 1499 both had been installed at Castello.[2]

In these works the influence of Gothic realism is tempered by Botticelli's study of the antique. But if the painterly means may be understood, the subjects themselves remain fascinating for their ambiguity. The complex meanings of these paintings continue to receive scholarly attention, mainly focusing on the poetry and philosophy of humanists who were the artist's contemporaries. The works do not illustrate particular texts; rather, each relies upon several texts for its significance. Of their beauty, characterized by Vasari as exemplifying "grace", and by John Ruskin as possessing linear rhythm, there can be no doubt.


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프리마베라 - 봄
La Primavera
1477-78; "Allegory of Spring"; 315 x 205 cm; painted for the villa of Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici at Castello
now in the Galleria degli Uffizi in Florence

정신적 사랑(삼미신)과 육체적 사랑(클로리스로 유혹하는 제피로스)을 동시에 보여주고 있다.
 그림의 오른쪽에서 부터 서풍,  님프 클로리스(Chloris),
꽃과 봄의 여신 플로라(Flora), 가운데 미의 여신 비너스(Vinus),춤을 추고 있는 세명의 카리테스(charites), 비너스의 머리위에 눈을 가리고 사랑의 화살을 쏘고 있는 비너스의 아들 큐피드(Cupid), 마지막으로 봄의 제전을 악으로 부터 보호하며 봄의 개화를 알려주는 쥬피터의 아들 신의 전령 머큐리(Mercury)가 이그림의 주요 인물로 그려집니다.
그들의 머리위에는 신화 속에서 비너스가 탄생할 때 축하의 의미로 나무에 열린 황금열매가  표현되어 있습니다.

클로리스(Chloris)
연두색,연한 녹색,신선함,푸릇한 새싹등을 뜻한다고 합니다.
로마신화에서 그녀는 봄의 여신 플로라가 되기 전의 님프로 표현됩니다.
한가득 입김을 머금은 서풍의 신 제피로스에 의해 그녀는 봄을 다스리는 전능을 얻게 됩니다. 그녀는 사실 페보니우스에게 납치되어 그와 결혼을 했는데요. 그들 사이에서  과일을 뜻하는 카포스(Karpos)입니다. 그녀가 말을 하면 그녀의 입김은 데이지와, 달맞이꽃,콘플라워등 봄에 피는 아름다운 꽃들로 뒤바뀝니다.

플로라(Flora)
클로리스의 옆에 표현되어 있는 플로라는 클로리스가 꽃의 여신으로 변신하는 과정을 나타낸 것입니다. 자상하게 미소를 짖고 있는 그녀는 온갖 아름다운꽃봉우리로 단장된 드레스를 입고있습니다. 그녀를 납치하여 결혼한 제피로스 뒷날 그의 행동을 후회하고 그녀를 봄의 여신으로 만들어 주고 그녀가 항상 아름답게 가꿀수 있는 정원을 선물합니다. 가운데 다른인물들 보다 조금 물러서서 중심을 잡고 있는 비너스는 봄의 영광과 정신적인 쾌락을 약속하며조용히 미소짖고 있고 그녀의 위에는 어린아이의 모습으로 나타난 큐피드가 눈을 가  리고 아무나 맞힐세라 사랑의 화살을 조준하고 있네요.

카리테스(CHARITES)
미와 사랑의 여신 비너스를 모시는 세명의 그레이스(Three Graces) 카리테스(CHARITES)는 따사로운 봄을 맞이하며 정성을 다해 춤을 춥니다. 그녀들은 세명의 자매로써 첫째 달리아는 좋은 원기,만찬,축제(Good Cheer, Festivities),  둘째 유프라서니(Euphrosyne)는 기쁨과 행복의 웃음을(Mirth,joyful life),  막내 아글라에아는 아름다움(beauty,splendor, brilliant, shining on-e)을 상징합니다. 마지막 왼쪽에 자리잡은 신들의 메신저 머큐리의 존재는 여성이 주가 된 그림의 구도를 오른쪽의 남성이미지의 제피로스와 함께 대칭을 이룸으로써 균형을 줍니다. 머큐리와 날개달린 신발과 더불어 그를 상징하는 지팡이 커두시우스 그는 모든 악이 자리 잡지 못하도록 그의 지팡이 커두시우스(caduceus-두 마리의 뱀이 감긴 꼭대기에 두 날개가 있는 지팡이;평화, 의술의 상징;미육군 의무대의 휘장)를 하늘높이 치켜들고 봄의 입구를 신의 길을 지키고 있다.




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Pallas/Camilla and the Centaur. c.1482-1483. Tempera on canvas. Galleria degli Uffizi, Florence, Italy.
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Judith's Return to Bethulia.
c.1469-1470. Tempera on panel. Galleria degli Uffizi, Florence, Italy

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Venus and Mars. 1483. Tempera on panel. National Gallery, London, UK


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Mystic Nativity. 1500. Tempera on canvas. National Gallery, London, UK.
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Cestello Annunciation. 1489-1490. Tempera on panel. Galleria degli Uffizi, Florence, Italy

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The Annunciation.
Two panels. 1490s. Tempera on panel. The Pushkin Museum of Fine Arts, Moscow, Russia.
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The Virgin and Child with the Infant St. John. After 1500. Tempera on panel. Dresden Gallery, Dresden, Germany.



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Portrait of Dante. c.1495. Tempera on canvas. Private collection, Geneva, Switzerland.

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The Encounter with the Damned in the Pine Forest.
1482-1483. Tempera on panel. Museo del Prado, Madrid, Spain

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The Infernal Hunt. 1482-1483. Tempera on panel. Museo del Prado, Madrid, Spain.

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The Banquet in the Pine Forest. 1482-1483. Tempera on panel. Museo del Prado, Madrid, Spain.
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The Wedding Banquet. 1482-1483. Tempera on panel. Private collection, Florence, Italy.







Paolo Uccello. The Hunt in the Forest. c. 1465-70. Oil on canvas. Ashmolean Museum, Oxford, UK. 숲속의 사냥 은 우첼로의 작품으로 보티첼리와 같은 동시대 작가로 비교해 볼 만한 작품이다.

Posted by @artnstory Art&Story

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  1. @artnstory Art&Story 2009.10.15 01:06 신고 Address Modify/Delete Reply

    고대 그리스 로마신화를 바탕으로 한 작품들을 메디치 가문으로 부터 의뢰받아 신비롭고 아름다운 작품들이 탄생하였다.

  2. @artnstory Art&Story 2009.10.16 14:13 신고 Address Modify/Delete Reply

    The Encounter with the Damned in the Pine Forest. The Infernal Hunt. 이 작품은 당시 르네상스의 작품에서 디자인적인 요소를 강하게 드러내고있다. 나무의 반복된 수직선은 후에 현대작가들에게서 보여진다.

Fillippo Brunelleschi:1377~1466   필리포 브루넬레스키 설계<피렌체 대성당의 돔>1420~36년경
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초기 르네상스 교회당  Pazzi 예배당  1430년경
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내부의 형태와 비례를 강조하기 위해 벽기둥 설치, 수학적인 법칙 이용
르네상스 건축가들은 건축물의 아름다움과 조화를 결정하는 요소는 수학에 달려있다고 믿었다.


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Masaccio (Italian, 1401-1428)
The Holy Trinity with the Virgin, St. John and Two Donors. 1426-28. Fresco. Santa Maria Novella, Florence, Italy.
수학적인 법칙에 근거해서 그려진 최초의 그림. 성모가 십자가에 못박힌 아들을 손으로 가리키는 단순한 제스처는 유일한 움직임. 웅변적이고 인상적이다. 지하 납골소.






Leon Battista Alberti :1404~72
레온 바티스타 알베르티 <르네상스 교회: 만토바의 성 안드레아 대성당>1460년경
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피렌체의 Rucellai 대저택    1460년경
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루앙 법원 1482 플랑부아양 고딕 양식
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케임브리지 킹스 칼리지 예배당 1446 수직양식
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Donato Bramante:1444~1514
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로마몬토리오의 성 베드로 대성당 내  Tempietto 작은신전
예배당의 작은 건물과 장식적인 열주는 고대 신전들이 그러하듯이 완벽한 조화를 이루고 있다. 




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 야코포 산소비노<산마르코 대성당의 도서관>1536년 르네상스 전성기  베네치아 





르네상스(Renaissance)
라는 말은 재생 또는 부활을 의미한다. 이탈리아인들이 말하는 부흥은 ‘위대했던 로마’의 재생이라는 생각과 밀접한 관계를 가진다. 르네상스는 단테와 조토의 출생지인 부유한 상업도시 피렌체를 중심으로 성장했으며, 메디치와 파치 가문과 같은 도시귀족이 생겨났다. 중세 시대는 교회라는 건축 안에 회화와 조각이 포함되었다면, 이 시대에는 건축, 조각, 회화가 독립적으로 발전하였다.

 건축은 고대 그리스로마 양식과 새롭고 근대적인 양식의 절충을, 조각은 중세에 금기되었던 누드가 다시 등신대 크기로 재생하였고,  회화에서는 사실주의가 부각되기 시작하였다.

 르네상스 초기에 건축가 필립포 브루넬레스키와 알베르티는 수학적인 법칙에 따라 내부의 형태와 비례를 강조하였다. 이러한 수학적인 법칙에 의해서 그려진 회화로는 마사초의<성 삼위 일체. 성모, 성요한과 헌납자들>그림이 있다.

 

Posted by @artnstory Art&Story

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Impression: soleil levant
sunrise, sunset
Impression 으로 붙여진 이 작품으로 인하여 impressionism이라는 사조가 생겨나기 시작했다.
야외에서 그 순간을 포착해서 그리다보니,
순식간에 단숨에 그려 가까이에서 이 그림을 볼 때면 무엇을 그렸는지 형태를 알 수없고 물감만을 발라놓은 것 같은 그림이 인상주의 작가들의 특징이다. 하지만, 이 그림들을 멀리서 바라보면 이것은 그야말로 사진과 거의 흡사하다시피한 완벽한 풍경이었던 것이다.

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Impression, soleil levant (Impression, Sunrise)
1873 (210 Kb); Oil on canvas, 48 x 63 cm (19 x 24 3/8"); Musee Marmottan, Paris


Monet painted this picture of the sun seen through mist at the harbour of Le Havre when he was staying there in the spring of 1872. A sketch quickly executed to catch the atmospheric moment, it was catalogued as Impression: soleil levant when exhibited in 1874 in the first exhibition of the group (as yet described simply as the Soci??Anonyme des Artistes-Peintres). The word `Impression' was not so unusual that it had never before been applied to works of art but the scoffing article by Louis Leroy in Le Charivari which coined the word Impressionnistes as a general description of the exhibitors added a new term to the critical vocabulary that was to become historic. It was first adopted by the artists themselves for their third group exhibition in 1877, though some disliked the label. It was dropped from two of the subsequent exhibitions as a result of disagreements but otherwise defied suppression.

Monet's Impression was not in itself a work that need be regarded as the essential criterion of Impressionism, vivid sketch though it is. There are many works before and after that represent the aims and achievements of the movement more fully. Yet it has a particular lustre and interest in providing the movement with its name.

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Monet, Claude
Coquelicots (Poppies, Near Argenteuil)
1873; Musee d'Orsay, Paris

*양귀비꽃*
모네의 이 작품은 행복해보인다.
풍경에 인물이 들어있다.
모자쓴 여인과 소녀의 모습이
햇살을 즐기러 나온 모녀가 아닐까?
하늘과 양귀비밭이 1:1 비율이지만
양귀비꽃과 인물로 인해 안정감있고 지루하지 않은 작품이다.

Monet, Claude: early works
Garden at Sainte-Adresse
1867 ; Oil on canvas, 98.1 x 129.9 cm (38 5/8 x 51 1/8 in); Metropolitan Museum of Art, New York

햇살에 앉아 있는 노부부와 바다를 바라보는 젊은 부부.
바다와 꽃들이 만발한 정원이 보여진다...'끌로드 모네'(1840-1926)..

..그는 무척이나 그림을 빨리 그리는 화가였다고 한다..
..많은 인상주의 그림들이 그러하듯이..
..그의 작업은 대부분 화실이 아닌 야외에서 이루어졌으며..
..그때마다 그는 하루만에 그림을 완성시켰다고 한다..
..어느날 누군가 그에게 이렇게 물었다고 한다..
..오늘 다 못그리면 내일 마저 그리면 되지않느냐고..

.."지금 우리가 보고있는 이 빛이..
.. 내일도 같으리라고 생각하십니까?"

..그것이 그의 대답이었다..

..사람들은 가끔 내게 물어온다..
..무거운 카메라 가방을 왜 매일 들고다니냐고..
..모네의 대답으로 그 질문의 답을 대신하려한다..
..내일은 비가 멎어버릴지도 모르니까..
..내일이면 유리창에 저 빗물이 말라버릴지도 모르니까..
..내일은 그사람이 그 자리에 없을지도 모르니까..
..내일도 오늘 같다면 사는게 너무 재미없을테니까..

..<내일은 오늘과 달라야만 한다>..


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Water Lilies (The Clouds)
1903 (180 Kb); Oil on canvas, 74.6 x 105.3 cm (29 3/8 x 41 7/16 in); Private collection

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Waterlilies
1906 (190 Kb); Oil on canvas, 87.6 x 92.7 cm (34 1/2 x 36 1/2 in); The Art Institute of Chicago

His youth was spent in Le Havre, where he first excelled as a caricaturist but was then converted to landscape painting by his early mentor Boudin, from whom he derived his firm predilection for painting out of doors. In 1859 he studied in Paris at the Atelier Suisse and formed a friendship with Pissarro. After two years' military service in Algiers, he returned to Le Havre and met Jongkind, to whom he said he owed `the definitive education of my eye'. He then, in 1862, entered the studio of Gleyre in Paris and there met Renoir, Sisley, and Bazille, with whom he was to form the nucleus of the Impressionist group. Monet's devotion to painting out of doors is illustrated by the famous story concerning one of his most ambitious early works, Women in the Garden (Mus? d'Orsay, Paris; 1866-67). The picture is about 2.5 meters high and to enable him to paint all of it outside he had a trench dug in the garden so that the canvas could be raised or lowered by pulleys to the height he required. Courbet visited him when he was working on it and said Monet would not paint even the leaves in the background unless the lighting conditions were exactly right.

During the Franco-Prussian War (1870-71) he took refuge in England with Pissarro: he studied the work of Constable and Turner, painted the Thames and London parks, and met the dealer Durand-Ruel, who was to become one of the great champions of the Impressionists. From 1871 to 1878 Monet lived at Argenteuil, a village on the Seine near Paris, and here were painted some of the most joyous and famous works of the Impressionist movement, not only by Monet, but by his visitors Manet, Renoir and Sisley. In 1878 he moved to V?heuil and in 1883 he settled at Giverny, also on the Seine, but about 40 miles from Paris. After having experienced extreme poverty, Monet began to prosper. By 1890 he was successful enough to buy the house at Giverny he had previously rented and in 1892 he married his mistress, with whom he had begun an affair in 1876, three years before the death of his first wife. From 1890 he concentrated on series of pictures in which he painted the same subject at different times of the day in different lights---Haystacks or Grainstacks (1890-91) and Rouen Cathedral (1891-95) are the best known. He continued to travel widely, visiting London and Venice several times (and also Norway as a guest of Queen Christiana), but increasingly his attention was focused on the celebrated water-garden he created at Giverny, which served as the theme for the series of paintings on Water-lilies that began in 1899 and grew to dominate his work completely (in 1914 he had a special studio built in the grounds of his house so he could work on the huge canvases).

In his final years he was troubled by failing eyesight, but he painted until the end. He was enormously prolific and many major galleries have examples of his work

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Waterlilies, Green Reflection, Left Part
1916-1923; Orangerie, Paris

Monet, Claude
monet, Claude (b. Nov. 14, 1840, Paris, Fr.--d. Dec. 5, 1926, Giverny)
French painter, initiator, leader, and unswerving advocate of the Impressionist style. He is regarded as the archetypal Impressionist in that his devotion to the ideals of the movement was unwavering throughout his long career, and it is fitting that one of his pictures--Impression: Sunrise (Mus? Marmottan, Paris; 1872)--gave the group his name.

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아내와 아들.  그들의 얼굴보다는 햇살속에 들판에 서있는 모습을 아름답게 표현하고 있다. 

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빛과 색채의 관계, 양산위 빛과 투과한 빛의 차이, 둔덕 위 풀잎은  햇살이 비칠 때와 그림자 속에서 어떻게 달라지는가?
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Degas, Edgar
Rehearsal of a Ballet on Stage

*무대 위 발레 리허설*
드가의 발레 시리즈는 보기만해도 설레인다. 여름 파리 여행에서 보았던 오페라 하우스의 발레가 아름다운 백조들의 모습이었다면 드가의 작품에서 만나는 이 발레리나의 모습들은 꿈속의 천사들이 아닌가 싶을 정도로 신비롭다.
이 작품은 이번 오르세이에서 보았는데 크지 않으면서 레드 브라운계열의 흑백 느낌으로 마치 스냅사진과 같은 작품이었다.

La classe de danse (The Dancing class)
c. 1873-75 (140 Kb); Oil on canvas, 85 x 75 cm (33 1/2 x 29 1/2 in); Musee d'Orsay, Paris

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Degas, Edgar
La classe de danse (The Dancing class)
Degas
c. 1873-75 ; Oil on canvas, 85 x 75 cm (33 1/2 x 29 1/2 in); Musee d'Orsay, Paris

*발레학교*
발레 학교의 일면. 색색의 리본을 달고 있는 소녀들의 모습에서 밝고 경쾌함을 느낄 수 있다. 높은 천장과 발레리나의 의상을 더욱 눈부시게 하는 것으로 보아 큰 창을 통해 많은 빛이 들어온다는 것을 알 수 있으며, 그것은 어린 소녀들의 아름다움을 한층 더 빛나게 한다. 캔버스에 오일로 그려져 있지만 밝은 분위기와 발레리나 의상이 주는 사각거리는 디자인과  예쁜 색상의 리본으로 인하여 마치 파스텔화를 보는 느낌이다.


Ballet Rehearsal
1875; Gouache and Pastel on canvas, 21-3/4" x 27"; George G. Frelinghuysen Collection, N.Y.

Dance Class at the Opéra
1872; detail; Musée d'Orsay, Paris

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Degas, Edgar
Four Dancers
c. 1899 (150 Kb); Oil on canvas, 151.1 x 180.2 cm (59 1/2 x 71 in); National Gallery of Art, Washington
여성인 내가 봐도 설레이는 장면이다.
흘러내리는 발레 의상을 손으로 여미고 있다.
특이한 구도로 당시 사진이 나온 후에 우연에 의한 이러한 사진 구도를 이용한 작품이 보여지기 시작했다.


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Degas, Edgar
L'etoile [La danseuse sur la scene] (The Star [Dancer on Stage])
1878; Pastel on paper, 60 x 44 cm (23 5/8 x 17 3/8 in);
Musee d'Orsay, Paris
*댄서*
위에서 아래로 내려다보는 비스듬한 시점에서 그렸다. 종이에 파스텔로 그린 것으로 뒤에 많은 댄서들이 나올 준비를 하고 있는 것으로 보아 솔로 씬 인듯한 스냅 사진의 한 장면. 이 댄서는 마치 주인공으로 보인다. 파스텔로 그려서 발레 의상을 표현하는 데 있어서 더 부드럽고 아름 답다.


Edgar Degas. Ballet Scene. c.1878-80. Pastel on monotype. Whereabouts unknown.

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The Rehearsal
c. 1873-78 (120 Kb); Oil on canvas, 41 x 61.7 cm (18 1/2 x 24 3/8 in); Fogg Art Museum, Harvard University, Cambridge, MA


Dancers Practising at the Bar. 1876-77. Mixed media on canvas. The Metropolitan Museum of Art, New York, USA.

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Edgar Degas
. Ballet Rehearsal on the Set. 1874. Oil on canvas. Musée d'Orsay, Paris, France. 

Edgar Degas. Dance Class. About 1871. Oil on wood. The Metropolitan Museum of Art, New York, USA
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  1. @artnstory Art&Story 2013.03.25 11:10 신고 Address Modify/Delete Reply

    드가의 작품은 그림의 구도가 카메라 구도로 약간 불균형하지만, 이런 대담한 구성이 발레리나의 극적인 움직임에 생동감을 더해준다.
    위에서 아래로 내려다 보는 듯한 비스듬한 시각은 오페라 극장 높은 층 가장자리에서 그들의 모습을 포착하여 그린 것이기 때문이다.

르네상스 매너리즘에 이어 17세기에 등장한 바로크.
바로크  하면 떠오르는
어둠과 밝음의 극적인 대조로 작품의 인상이 한층 강렬하다.
마치 무대연출과 같은 작가의 천재적인 구성으로 인해 하이라이트 빛의 주인공을 찾아볼 수 있다.



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2007.6.26~9.30
덕수궁미술관
http://www.moca.go.kr/deoksugung.jsp
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Annunciation – is told by Luke (1:26-38): 'the archangel Gabriel was sent by God' to Mary. Gabriel announced to her that she was to give birth to a son, Jesus, who 'will be great, and will be called Son of the Most High. The Lord God will give him the throne of his ancestor David, and he will be king over Israel for ever; his reign shall never end'. '"I am the Lord's servant," said Mary; "may it be as you have said." Then the angel left her.'

<수태고지><스바비아 필사본 복음서>의 한 페이지, 1150년경, 슈투트가르트, 뷔르템베르크 지방 도서관
<수태고지>,12세기 중반, 샤르트르 대성당의 스테인드글라스 창문.


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Simone Martini & Lippo Memmi Annunciation 1333
평화의  상징인 올리브 가지, 처녀성의 상징인 흰 백합, -예수탄생 예고
"아베 그라티아  플레나 도미누스 테쿰"-은총을 가득 받은 이여, 기뻐하여라. 주께서 너와 함께 계신다"

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Altarpiece of the Annunciation. c. 1430-1432. Tempera on panel. 194 x 194. Museo del Prado, Madrid, Spain

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Annunciation. c.1432-1434. Tempera on panel. 175 x 180. Museo Diocesano, Cortona, Italy. 


Fra Angelico(c.1395-1455)
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Annunciation. c. 1441. Fresco, 176 x 148. Museo di San Marco, Cell 3, Florence, Italy
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Annunciation. c.1450. Fresco, 230 x 297. Museo di San Marco, Corridor, Florence, Italy.
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Botticelli, Sandro
The Cestello Annunciation
c. 1489; Tempera on panel, 150 x 156 cm; Uffizi, Florence

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  Weyden, Rogier van der (1399/1400 - 1464).
The leading Netherlandish painter of the mid-15th century.The Annunciation (Central panel of a triptych)
  Wood, 86 x 93 cm; Musée du Louvre, Paris t56
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Leonardo da Vinci. The Annunciation. Detail. c. 1472-1475. Oil and tempera on wood. Uffizi Gallery, Florence, Italy.
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Raphael. The Annunciation (from the predella of the Coronation of the Virgin). c. 1503-1504. Oil on panel, transferred to canvas. Vaticano, Pinacoteca Apostolica Vaticano, Rome, Italy.

The Annunciation.
1600s. Oil on canvas. Szepmuveseti Muzeum, Budapest, Hungary
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 Nicolas Poussin c.1655. Oil on canvas. National Gallery, London, UK.
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Dante Gabriel Rossetti. Ecce Ancilla Domini ("The Annunciation"). 1850. Oil on canvas. Tate Gallery, London, UK.
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https://www.youtube.com/watch?v=5Wnvp2JGCtk&feature=share&list=TLbOAgwsNQGFA 

 

International Gothic Style

By the end of the 14th century, the fusion of Italian and Northern European art had led to the development of an International Gothic style. For the next quarter of a century, leading artists travelled from Italy to France, and vice versa, and all over Europe. As a consequence, ideas spread and merged, until eventually painters in this International Gothic style could be found in France, Italy, England, Germany, Austria and Bohemia.


Masters of illumination

The ancient art of book illumination was still the prevailing form of painting in France at the beginning of the 15th century. It reached new heights, however, in the work of the three Limbourg brothers, Pol, Herman, and Jean, exponents of the International Gothic style.


They came from Gelderland, a province of the Netherlands, but worked in France. They were the only other Gothic painters to take such orderly joy as that shown by Ambrogio Lorenzetti in the city and its environment, its people, and its rulers. The Limbourg brothers all died suddenly in 1416, probably of the plague.


The Limbourgs' joint masterpiece, Les Très Riches Heures, was commissioned by the wealthy and extravagant manuscript collector, the Duc de Berry. Les Très Riches Heures is one of a genre of 15th-century illustrated prayer books known as ``book of hours''. The ``hours'' were prayers to be said at one of seven hours of the day. A book of hours would naturally contain a calendar, and this became the opportunity for a display of the illuminator's talent. Sadly, this particular example was unfinished at the time of the Limbourgs' and the Duc de Berry's deaths.


Each month is marked by an enchanting scene, usually showing appropriate seasonal activities. In August, we see courtly lovers riding to hunt with their falcons, while the great white ducal castle gleams in the distance and the peasant swim happily in the winding stream. The blue upper part of the painting shows an astrological hemisphere. With its mixture of courtly refinement and everyday reality, this miniature is representative of many in the book.


The Garden of Eden was painted separately from the rest of Les Très Riches Heures and inserted into it later. It is a great enclosed circle showing the world as it was intended to remain before Adam and Eve's fall from grace. The whole story of the loss of Eden and human self-will is set graphically before us. Adam and Eve are finally ejected from the lush greenery of Eden unto a dangerous rocky shore. The Limbourgs' consciousness of tragedy is no less acute for being so chivalric in its manner. For all their elegance, they are as aware as all great artists that pain is our human lot.

<메리 여왕의 기도서>1310년경 에 이은

부르고뉴의 한 부유한 대공이 랭부르 형제의 공방에 주문해서 만든 기도서에 붙은 달력  <베리 공작의 기도서>1410년경. 샹티이 콩데 미술관



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January  1월 염소,

The month of giving gifts (a custom which seems to have died out now). Jean de Berry himself can be seen on the right, wearing the brilliant blue robe.

선물을 주는 달.

오른편에 빛나는 푸른 의복을 입은 베리 공작이 , 왼편에는 염세가(은둔자),

 Dans certaines familles, on ne celebrait guere Noel, bien que certains soient catholiques: on donnait un cadeau chaque annee qu'on appelait les etrennes. Ce mot remonte a l'usage Romain de par lequel le patron devait offrir une subside annuelle a ses clients. Il est possible que la television ait donne le dessus a la fete de Noel sur l'epiphanie. (comment from mmurphy@ernsty.co.uk)

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February  2월 물병,

Winter in a peasant village. The inhabitants of a farm are shown warming themselves by the fire, while in the background daily life - cutting wood, taking cattle to the market - goes on as normal.

겨울의 한 농가.

집 벽을 제거하고 실내풍경을 전하고 있다. 눈 덮인 풍경과 함께. 전면에 푸른 의복을 입은 귀부인은 불길에 다리를 드러내기 위해 치마를 들어올리고있다. 난로를 쬐고 있는 농부, 이것은 화가가 경험한 겨울을 보여주고 있다.


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March  3월 물고기

The year's first farm work, sowing and ploughing and suchlike. The chateau in the background is that of Lusignan, one of the Duc's favourites.

3월의 전통적인 일은 포도를 재배하는 일. 한 해의 첫 농부의 일.

길 교차로에 4개의 장면이 경계 짓고, 고딕 작은 건축물을 기념탑이라 부른다.

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April   4월 산양,

The arrival of spring, hope and new life - the grass is green and a newly betrothed couple are exchanging rings in the foreground, accompanied by friends and family. The chateau is another one of the Duc's, that of Dourdan.

꽃을 수확. 봄의 시작. 희망과 새 생명. 잔디는 초록색.

왼편에는 약혼식 귀족 그룹, 우아한 두 여인이 잔디밭에 몸을 구부리고 있다. 벽으로 둘러싸인 과수원과 오른편에 장식무늬 건물의 투시원근법

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May   5월 황소

The May jaunt, a pageant celebrating the "joli mois de Mai" in which one had to wear green garments known as livrée de mai. The riders are young noblemen and women, with princes and princesses being visible. In the background is a chateau thought to be the Palais de la Cité in Paris.

산책.

왕자와 공주들과 젊은 귀족과 여인들. 붉은 안장과 회색말, 푸른 의복의 사람은 젊은 시절의 베리공작의 모습. 어린개들로 암시. 녹색드레스의 세부인은 5월 1일을 축하해주기 위해 관례대로 밝은 녹색을.


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June   6월 쌍둥이

Harvest time - the peasants are mowing the meadow in unison, with the Hotel de Nesle, the Duc's Parisian residence, in the background. The building on the right is the Chapelle Royale, which is unchanged to this day.

수확시간, 풀 베어 말리기.

센느 강. 머리를 보호하기 위해 쓴 모자와 삼각숄에 의해 태양이 매우 강렬하게 내리쬐고 있음이 분명하다. 예술가들은 세밀한 작은 사람들로써 건축에 생기를 불어넣는다.


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July   7월 게

More of the harvest; the sheep are being shorn and the hay is being reaped. The chateau behind them is that which formerly stood on the Clain at Poitiers.

더 많은 수확. 양들의 양털깍기,


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August   8월 사자

The month of hawking; the nobles, carrying falcons, are going hunting while in the background peasants are harvesting and swimming in the river. Behind them is the Chateau d'Etampes.

매사냥. 밀 두드리기.

베리공작을 위한 젊은 영주의 짝?  멀리서도 빛나는 크고 하얀 성. 농부들이 미역 감고 수영하고 있다. 적어도 한 명은 여자?


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September   9월 처녀

Probably the most famous of the calendar images. The grapes are being harvested by the peasants and carried into the beautifully detailed Chateau de Saumur.

포도 수확.  가장 유명한 달력 이미지.


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October   10월 천칭

Tilling and sowing are being carried out by the peasants, in the shadow of the Louvre - Charles V's royal palace in Paris.

파종,  세느강 좌측. 루브르 정면.


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November   11월 전갈

This is the only calendar image executed by Colombe; the Limbourgs painted only the zodiacal tympanum above it. The picture shows the autumn acorn harvest, with a peasant knocking down throwing sticks to knock down the acorns on which his pigs are feeding.

도토리줍기.   도토리가 숙성하고 돼지고기는 더 충만하게 맛이 오른다.


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December   12월 사수

In the forest of Vincennes, fabled for its game, a wild-boar hunt has caught a boar which is being torn apart by the boarhounds. In the background is the Chateau de Vincennes, long a residence of French royalty.

돼지 죽이는 장면.

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Giotto
(1266-1337)
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이탈리아 미술은 피렌체의 화가 조토 디 본도네(Giotto di Bondone:1267~1337)의 벽화, 즉 프레스코(프레스코는 벽에 바른 석고가 채 마르지 않은, 즉 젖어(fresh)있을 때에 그림을 그린다는 데서 유래한 것이다.)를 시작으로 전개된다.  그의 회화는 이야기 전달의 수단 이상으로  성경의 이야기가 바로 우리의 눈앞에서 전개되는 것과 같은 환영을 창조하였다. 환조 같은 느낌의 착각을 불러일으키는 그림으로 평평한 평면에서 깊이감을 느끼게 하는 단축법과 원근법을, 의상의 주름에서는 깊은 그림자를 만들어 회화의 개념 전체를 변경하였다.
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Faith. 1302-1305. Fresco. Capella degli Scrovegni, Padua, Italy
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Inconstancy. 1302-1305. Fresco. Capella degli Scrovegni, Padua, Italy.
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Hope. 1302-1305. Fresco. Capella degli Scrovegni, Padua, Italy.

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Idolatry.
1302-1305. Fresco. Capella degli Scrovegni, Padua, Italy.

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The Expulsion of the Demons from Arezzo.
. Detail. 1295-1300. Fresco. St. Francis, Upper Church, Assisi, Italy.

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Vault of the Doctors of the Church, St. Jerome. ca. 1290-1295. Fresco. St. Francis, Upper Church, Assisi, Italy
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Madonna and Child with St. Nicholas, St. John the Evangelist, St. Peter and St. Benedict (Badia Polyptych). c.1300. Tempera on panel. Galleria degli Uffizi, Florence, Italy.
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View of the interior towards the apse. 1304-1306. Fresco. Capella degli Scrovegni, Padua, Italy.
 
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The Angel of Annunciation. 1302-1305. Fresco. Capella degli Scrovegni, Padua, Italy
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The Virgin of Annunciation. 1302-1305. Fresco. Capella degli Scrovegni, Padua, Italy
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The Wedding Feast at Cana and The Deposition of Christ. 1304-1306. Fresco. Capella degli Scrovegni, Padua, Italy.

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Lamentation. 1304-1306. Fresco. Capella degli Scrovegni, Padua, Italy
<그리스도를 애도함>, 1305년경, 파도바의 델아레나 예배당 프레스코.
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<그리스도의 매장> 1250~1300년경, 봉몽에서 나온 필사본 기도서의 한 페이지,
 브장송 시립 도서관.

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Christ Purging the Temple and Pentecost. 1304-1306. Fresco. Capella degli Scrovegni, Padua, Italy.
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The Vault. The Virgin Mary and the Infant Christ, Surrounded by Four Prophets. 1304-1306. Fresco. Capella degli Scrovegni, Padua, Italy.
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Madonna and Child Enthroned with Saints (Ognissanti Madonna). c.1305-1310. Tempera on panel. Galleria degli Uffizi, Florence, Italy.
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Stefaneschi Polyptych. Side showing Christ. c.1330. Tempera on panel. Vatican Gallery, Vatican

Madonna and Child.
1320-1330. Tempera on wood. National Gallery of Art, Washington, DC, USA.
The Kiss of Judas. 1304-1306. Fresco. Capella degli Scrovegni, Padua, Italy.
유다의 입맞춤  프레스코  200x185cm   이탈리아  파도바 아레나 성당

유다가 예수를 팔아넘기기 위해 예수의 입을 맞추어 제사장들과 병사들에게 이 사람이 예수라고 알리는 순간을 묘사.불안한 눈빛으로 예수를 올려다보며 입을맞추려는 사람이 유다
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